classicisme (musique)

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Présentation

classicisme (musique), notion qui recouvre des réalités fort différentes selon les époques et les pays : le « classicisme versaillais » de Lully, Campra ou Rameau ne se confond ni dans le temps, ni par son style, ni par les genres pratiqués avec le « classicisme viennois » de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart et Ludwig van Beethoven, phénomène non pas d’Ancien Régime mais plutôt « prérévolutionnaire », puis contemporain de la Révolution.

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Le style classique : un style universel

Le terme « classique » fut appliqué à la musique de Haydn et de Mozart dès les dernières années du XVIII^e siècle. Peu après la mort de ce dernier, en 1791, son premier biographe fit observer que ses opéras, ses concertos et ses quatuors étaient dignes d’éloges parce que l’on pouvait les écouter sans jamais s’en lasser. Le projet avoué de l’ère classique était d’atteindre à l’universalité du langage musical. Les auteurs contemporains soulignaient que la musique devait atteindre, sans complication technique superflue, tout auditeur pourvu de sensibilité. Elle devait dépasser le simple divertissement, émouvoir et exalter. Cette opinion illustrait la position influente conquise par la bourgeoisie au siècle des Lumières. La philosophie, la science et les beaux-arts s’adressaient désormais au grand public, non plus à un petit cénacle d’experts. La musique fut affectée par cette évolution dans la mesure où disparaissait le mécénat, remplacé par un public de mélomanes. Carl Philipp Emanuel Bach destina ainsi particulièrement plusieurs recueils pour clavier à un public d’« amateurs et de connaisseurs ». Dans une célèbre déclaration au père de Mozart, Haydn désigna comme qualités complémentaires et particulièrement dignes de louanges, le savoir musical et le goût présents dans l’œuvre de son fils.

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Genèse du classicisme : rococo et empfindsamer Stil

Dès 1814, l’écrivain E.T.A. Hoffmann reconnut en tant que tel l’art nouveau de Haydn, Mozart et Beethoven et en rechercha les origines. Vers 1720 apparut un style très influent, le rococo (ou style galant), qui se développa surtout en France. Le style dit « sensible » (empfindsamer Stil), fit son apparition quelque temps après, principalement en Allemagne. Tous deux donnaient à la voix supérieure le plus grand intérêt mélodique, la basse perdant une partie de son importance puisqu’elle se bornait désormais à soutenir la ligne mélodique principale. Le terme « rococo » désignait à l’origine l’ameublement et la décoration ornés et recherchés à la mode en France pendant la Régence, le terme « galant » s’appliquant, quant à lui, à tout ce qui était moderne, élégant, recherché. En musique, le style rococo était aristocratique et le style « sensible » essentiellement bourgeois, fondé sur les sentiments individuels. Tous deux furent finalement intégrés dans le classicisme.

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Apport musical du classicisme

Pendant l’ère baroque, le sentiment fondamental (Affekt) d’un mouvement ou d’une œuvre était uniforme. Un sujet unique était présenté au départ, puis développé et articulé au moyen de la répétition séquentielle de phrases plutôt que par des cadences ostentatoires. Les compositeurs préclassiques introduisirent davantage de contrastes entre les mouvements et au sein de chacun d’eux. Le principe de continuité des compositeurs baroques fut remplacé par des phrases plus articulées.

Ces nouveaux idiomes musicaux permirent l’apparition de plusieurs genres nouveaux. Parmi les nombreuses danses baroques, seul le menuet se maintint dans la musique de chambre et les compositions orchestrales classiques, jusque chez Haydn et Mozart. La fonction des instruments à clavier se modifia radicalement : ils perdirent progressivement leur fonction de continuo, comme en témoigne le déclin de la sonate en trio. Typique de l’ère baroque, elle céda la place au quatuor à cordes, dont le développement spectaculaire constitue l’une des plus grandes réussites de Haydn.

Remplaçant la suite, la sonate pour instrument seul apparut au milieu du XVIII^e siècle et acquit l’importance qu’elle conserve aujourd’hui. Domenico Scarlatti contribua grandement à l’élaboration de ce genre. Ses sonates virtuoses dénotent une approche expérimentale de la progression harmonique et de la structure musicale, avec notamment des contrastes thématiques que l’on peut qualifier de modernistes. Christian Philipp Emanuel Bach est, lui, le représentant par excellence de l’Empfindsamkeit. Il affirmait que la musique devait, avant tout, toucher le cœur et émouvoir : l’interprète devait donc jouer du fond du cœur et avec toutes ses facultés émotionnelles. De ses sonates fantaisies se dégagent des nuances émotionnelles variées et subtiles. Ces manifestations de sentiments, cette propension aux soupirs et aux larmes caractérisent aussi le mouvement littéraire appelé Sturm und Drang (« tempête et passion »), du nom d’une pièce de Klinger écrite en 1776. Ce mouvement pré-romantique attachait une grande importance à la liberté personnelle de l’artiste, ce qui se traduisit en musique par une grande intensité émotionnelle et par des emportements passionnés, caractéristiques de la musique composée par Haydn vers 1770.