danse moderne

2.3

Utilisation de l'espace

Dans le langage conventionnel du ballet classique, les mouvements du danseur sont exécutés face au public sur le devant de la scène. En même temps, le danseur doit garder une posture très droite et une position en torsion extérieure (jambes tournées vers l'extérieur par rapport aux hanches). En revanche, les chorégraphies modernes utilisent toutes les dimensions de l'espace — les danseurs se tiennent aussi bien de face que de profil par rapport au public ou lui tournent le dos. De même la linéarité du corps est rompue par des mouvements volontaires de chute. La danse moderne utilise le poids du corps de multiples façons, simulant l'élévation aussi bien que la chute, alors que son utilisation en danse classique doit toujours donner l'illusion de s'élever.

2.4

Relation avec la musique

Un autre aspect de la majorité des styles en danse moderne concerne la relation entre le mouvement et la musique. Dans le ballet traditionnel, les temps forts et les effets des mouvements de la danse respectent les rythmes de la musique. Un tel respect peut être présent en danse moderne mais rien ne l'impose. La danse peut être composée en premier et la musique écrite par la suite, soulignant ainsi les temps forts du mouvement ; inversement, les effets de la danse peuvent s'opposer aux rythmes de la musique. La musique n’est pas le seul élément sonore qui accompagne les chorégraphies modernes : certains choisissent des voix off, des bruits divers, et il arrive même parfois que le seul fond sonore d'un ballet soit celui des corps des danseurs en mouvement.

3

Histoire

L'histoire de la danse moderne se divise en trois périodes — l'une commençant vers 1900, l'autre vers 1930, et la dernière après la fin de la Seconde Guerre mondiale, en 1945.

3.1

Première époque (1900-1930)

Les trois premières décennies de la danse moderne, qui englobe les carrières des danseuses américaines Isadora Duncan, de Ruth Saint Denis et de la danseuse allemande Mary Wigman, sont précédées d'une période de réaction contre le ballet de la fin du XIX^e siècle. Parallèlement à cette réaction, deux variations contribuent à libérer les mouvements de danse. L'une est le système de gestes naturels et expressifs développé à la fin du XIX^e siècle par François Delsarte. Selon lui, le corps est la source et le moteur de l'expression gestuelle, laquelle est obtenue par contraction et relâchement. Le corps se veut ainsi la traduction des sentiments humains. La seconde est l'eurythmique, système pédagogique d'enseignement des rythmes musicaux à travers les mouvements du corps, créé par l'éducateur musical suisse Émile Jaques-Dalcroze et utilisé plus tard comme méthode d'entraînement par de nombreux danseurs.

Pour rendre leur danse plus expressive, les premiers danseurs modernes cherchent leur inspiration au-delà de la tradition de la danse académique — le ballet tel qu'ils le connaissent à la fin du XIX^e siècle — et s'inspirent de sources remontant à l'Antiquité ou extérieures à l'Occident. À la même époque, les Ballets russes, créés par le chorégraphe Michel Fokine, puisent aussi dans les mêmes sources, réagissant contre le ballet de la fin du XIX^e siècle aussi violemment que les danseurs.

3.1.

1

Isadora Duncan

Isadora Duncan s'inspire de la sculpture grecque pour sa gestuelle. Aussi, elle rejette les chaussons de ballet et le costume ajusté de la fin du XIX^e siècle, préférant danser pieds nus et avec une simple tunique. Pour elle, la source de tout geste est le plexus solaire et ses danses alternent entre résistance et obéissance à la gravité. La forme que prend sa chorégraphie constitue une réponse aux musiques des compositeurs romantiques comme Frédéric Chopin ou le compositeur hongrois Franz Liszt.