1.

Présentation

symphonie, composition musicale pour orchestre constituée généralement de quatre parties contrastées, ou mouvements. Le terme vient du grec sun, « ensemble » et phônê, « son » (« musique pour ensemble »). Il fut appliqué pour la première fois au XVI^e siècle aux interludes instrumentaux de formes musicales telles que la cantate, l'opéra et l'oratorio. La « Symphonie pastorale » du Messie de Haendel (1742) en est un bon exemple. La symphonie, au sens moderne du terme, apparut au début du XVIII^e siècle.

2.

Italie

Vers 1700, les ouvertures de l'opéra italien (appelées sinfonie) se stabilisèrent dans une forme en trois mouvements dans l'ordre rapide-lent-rapide, le dernier étant souvent un menuet. Ces ouvertures, dont le thème n'avait aucun rapport avec les opéras qu'elles introduisaient, étaient souvent exécutées comme pièces de concert. Des compositeurs italiens comme Tomaso Albinoni, Giovanni Battista Sammartini et Antonio Vivaldi écrivirent des sinfonie indépendantes ayant cette structure. Comme le premier mouvement des symphonies, mais souvent aussi les suivants, adoptèrent rapidement la forme sonate, les différents précurseurs de cette dernière façonnèrent également le développement de la symphonie. Un troisième facteur d'influence fut l'intermezzo de type napolitain (opéra comique court), dans lequel, pour des besoins de clarté du texte, les mélodies étaient des combinaisons de motifs mélodiques courts et clairs soutenus par des harmonies simples (par opposition à l'accompagnement élaboré et harmoniquement complexe que l'on rencontre souvent dans la musique antérieure). Les compositeurs disposèrent là d'un matériau brut qu'ils purent à nouveau combiner, harmoniser et développer, ce qui aboutit à la forme sonate.

3.

Allemagne et Autriche

Vers 1740, la symphonie devint le principal genre de musique orchestrale dans les centres importants de composition, notamment à Mannheim, Berlin et Vienne. Le compositeur tchèque Johann Stamitz, qui donna à l'orchestre de Mannheim une renommée internationale, l'exploita au maximum dans ses symphonies. Il fut l'un des premiers à ajouter un quatrième mouvement, un final rapide à la suite du menuet. Dans ses mouvements en forme sonate, le second thème présente souvent un caractère en contraste total avec le premier.

À Berlin, les compositeurs Johann Gottlieb Graun et C.P.E. Bach (le frère de J.S. Bach) écrivirent des symphonies en trois mouvements peu contrastés, mais accentuant fortement le développement thématique et l'expression des émotions.

À Vienne, les symphonies en quatre mouvements prédominèrent, avec une grande importance accordée au premier. Les instruments à vent (voir Musique, instruments de) furent davantage exploités et un soin particulier fut apporté à l'intégration mélodique ; par exemple, la transition entre les thèmes utilisait parfois de courts fragments d'un thème principal. Les compositeurs viennois les plus importants furent Georg Matthias Monn et Georg Christoph Wagenseil. Un autre frère de J.S Bach, J.C. Bach, qui étudia en Italie et travailla à Londres, et dont les symphonies sont empreintes de la grâce mélodique italienne, exerça également une grande influence.

4.

Haydn et Mozart

Le compositeur autrichien Joseph Haydn, le premier des grands symphonistes viennois, ne cessa d'expérimenter de nouveaux procédés et techniques de composition orchestrale. Il composa cent sept symphonies, dont il allongea et étendit considérablement la forme. Ses premiers mouvements sont souvent précédés de brèves introductions ; les mouvements de sonate évitent le contraste thématique ; les finales, en forme sonate ou rondo, ont une vigueur et un poids inconnus dans les ouvrages des compositeurs précédents. Il fit un usage fréquent du contrepoint (lignes mélodiques entrelacées) qu'il intégra dans le style symphonique. Ces caractéristiques prédominèrent même dans ses symphonies destinées à une circonstance spéciale, comme celle des Adieux (1772), dans laquelle les musiciens quittent la scène tour à tour.

Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart se sont mutuellement influencés dans leur technique symphonique. Mozart, qui fut l'un des grands maîtres du genre, fit preuve d'une richesse d'imagination inégalée dans ses quarante et une symphonies. Parmi les plus célèbres figurent celle de Linz (n° 36, 1783), Prague (n° 38, 1786) et Haffner (n° 35, 1782) ; avec ces trois dernières — en mi bémol majeur, en sol mineur et Jupiter (toutes de 1788) —, la symphonie passa du statut de divertissement à celui de moyen d'expression d'une grande profondeur.

5.

Beethoven

Ludwig van Beethoven produisit neuf symphonies dont il étendit considérablement la forme et dans lesquelles il sut dépeindre une vaste palette de sentiments et d'émotions parfois conflictuels. Cette force, déjà largement présente dans ses deux premières symphonies, acquit une dimension considérable dans la Symphonie n° 3 en mi bémol majeur (1805), connue sous le nom de Symphonie héroïque. Cette œuvre se compose d'un immense premier mouvement, rempli d'énergie créatrice, d'un mouvement lent en forme de marche funèbre d'une grande profondeur, d'un éblouissant scherzo et d'un finale fait de variations sur un thème. Dans sa Symphonie n° 5 en ut mineur (1808), Beethoven introduisit un motif mélodique et rythmique récurrent de quatre notes, qui unifie les parties contrastées de l'œuvre. La Symphonie n° 6 en fa majeur (1808), dite Symphonie pastorale, décrit les émotions ressenties par le compositeur face à des scènes de la vie rurale. Il recourut à certaines techniques de musique à programme pour imiter le chant des oiseaux et le tonnerre. La Symphonie n° 9 en ré mineur (1824), considérée comme l'une des œuvres majeures de Beethoven, inclut un mouvement choral d'après le poème An die Freude (Ode à la joie), du poète allemand Friedrich von Schiller.

6.

XIXe siècle

Le romantisme musical naissant s'accompagna de deux tendances dans la composition symphonique : l'incorporation d'éléments de musique à programme dans la symphonie et le respect des idéaux de la forme classique, mais avec des mélodies et des harmonies typiques du XIX^e siècle.

La première tendance fut particulièrement bien illustrée par le compositeur français Hector Berlioz et par le compositeur hongrois Franz Liszt. Leurs symphonies comprennent des programmes littéraires spécifiques et ont des points communs avec le poème symphonique.

Le compositeur autrichien Franz Schubert, au contraire, utilisa une approche essentiellement classique de la forme symphonique, même si ses mélodies et ses harmonies sont incontestablement romantiques. Ses symphonies les plus célèbres sont la Symphonie inachevée (n° 8, 1822) et la Grande Symphonie en ut majeur (n° 9, 1828). Les symphonies des compositeurs allemands Felix Mendelssohn et Robert Schumann présentent la richesse harmonique caractéristique du romantisme. Les plus célèbres des symphonies de Mendelssohn, Écossaise (n° 3, 1842), Italienne (n° 4, 1833), et Réformation (n° 5, 1841), contiennent des éléments de musique à programme, ainsi que leur titre le suggère. Les symphonies de Schumann, dont le Printemps (n° 1, 1841) et Rhénane (n° 3, 1850), sont très libres sur le plan de la structure et très mélodieuses. La synthèse la plus convaincante de la forme symphonique classique et du style romantique est fournie par les quatre symphonies de Johannes Brahms. Le compositeur russe Piotr Tchaïkovski écrivit six symphonies dans l'esprit de la musique à programme, qui combinent une émotion intense et des éléments de musique traditionnelle russe avec, notamment dans les trois dernières, un développement musical extrêmement réfléchi. Les compositeurs autrichiens Anton Bruckner et Gustav Mahler furent fortement influencés par les drames en musique du compositeur allemand Richard Wagner. Les neuf symphonies de Bruckner font appel à des sonorités orchestrales massives et trouvent leur unité dans la répétition de schémas mélodiques et rythmiques. Mahler allongea considérablement la symphonie et en modifia fréquemment la forme en lui ajoutant de longs passages vocaux. Edward Elgar, dans ses deux symphonies (1908 et 1911), fit une synthèse particulière du romantisme et des influences conjuguées de Brahms et de Wagner. Leur énergie formidable va de pair avec une certaine grandeur et la nostalgie d'un changement d'époque. Le compositeur tchèque Antonín Dvořák est célèbre pour l'usage habile qu'il fit d'airs traditionnels, comme dans la Symphonie du Nouveau Monde (n° 9, 1893). Les compositeurs français Vincent d'Indy et Camille Saint-Saëns, ainsi que les compositeurs russes Alexandre Borodine et Nikolaï Rimski-Korsakov sont également auteurs de symphonies célèbres. La Symphonie en ré mineur du compositeur français d'origine belge César Franck est l'exemple type de la tendance du XIX^e siècle à aller vers une structure cyclique en reliant les différents mouvements au moyen de thèmes ou de motifs récurrents.

7.

XXe siècle

Au cours du XX^e siècle, plusieurs compositeurs, dont l'Américain Charles Ives et le Danois Carl Nielsen, abordèrent la forme symphonique d'une manière très personnelle et novatrice. Le compositeur finlandais Jean Sibelius exerça une grande influence en dynamisant la forme : adoptant une démarche opposée à celle de Mahler, il comprima de manière rigoureuse le matériau thématique et le processus de développement. Il ramena ainsi la structure de quatre à trois mouvements dans la Symphonie n° 4 (1919) puis, finalement, à un seul mouvement dans la Symphonie n° 7 (1924). Le compositeur britannique Ralph Vaughan Williams poursuivit la tradition de Dvořák dans ses neuf symphonies, employant un style national distinctif issu de la culture traditionnelle, en particulier dans sa symphonie Pastorale (n° 3, 1921) et sa Symphonie n° 5 (1943). D'autres, qui suivirent les principes du néoclassicisme, adaptèrent la forme symphonique en y incorporant les tendances du XX^e siècle dans le domaine de l'harmonie, du rythme et du caractère. On trouve des illustrations du néoclassicisme dans la symphonie Classique (n° 1 1916-1917) du compositeur russe Sergueï Prokofiev, ainsi que dans les symphonies du compositeur d'origine russe Igor Stravinski. L'impressionnisme est représenté par les quatre symphonies du compositeur français Albert Roussel. Le compositeur autrichien Anton von Webern, mettant en application les techniques du dodécaphonisme, composa une brève symphonie (Op. 21, 1928), qui peut être jouée en onze minutes environ. À l'instar de la Kammersymphonie (Symphonie de chambre, 1906) de son compatriote Arnold Schoenberg, elle illustre la tendance à la concision et à l'économie de la forme et des ressources propres au XX^e siècle. Les symphonies du compositeur russe Sergueï Rachmaninov sont romantiques pour le fond et traditionnelles pour la forme. Les compositions plus novatrices d'un autre compositeur russe, Dmitri Chostakovitch, sont souvent de plus grande envergure et parfois à programme, perpétuant la tradition de Mahler.

Les quatre symphonies de Michael Tippett (1945, 1958, 1972 et 1977) reflètent chacune une période différente de son développement stylistique, tout en adoptant des lignes structurelles relativement traditionnelles, alors que la Turangalîla-Symphonie (1946-1948) d'Olivier Messiaen est une imposante suite en dix mouvements qui s'enroule autour de quelques thèmes centraux. On peut donc dire que la symphonie continue toujours à inspirer les compositeurs, même si la forme évolue en permanence.

Voir Musique, histoire de la ; Forme (musique).